Crítica Teatral ::::: Tomás Urtusástegui :::::

1.- HUAPANGO.
AUTOR: TOMÁS URTUSÁSTEGUI.
DIRECTOR OMAR MARTÍNEZ.
GRUPO TERCER TEATRO COATZACOALCOS.
TEATRO JULIO CASTILLO.
10 ENERO

Como autor es difícil juzgar una obra propia por razones obvias. Huapango es un texto que tenía guardado desde hace mucho tiempo en que prometió ponerlo Maricela Lara y después Enrique Pineda. No fue posible. Ahora lo toma un grupo muy joven de la ciudad de Coatzacoalcos, Veracruz. Tuve el gusto de asistir al estreno en el puerto y ahora verla nuevamente en este Encuentro.
El cambio entre una fecha y la otra es notable. Los directores Ileana y Omar saben escuchar y corregir lo que aún no está correcto. Del texto no voy a hablar pero sí de la puesta. Lo que más me emociona de ella es la verdad que transmiten tanto los actores como los músicos. La verdad en una puesta es lo que nos emociona. Si no le creemos a los actores o a la puesta en sí por más méritos que tenga en actuación, dirección o escenografía no son suficientes. Prefiero mil veces que algo de esto no llegue a la calidad necesaria si logran transmitirme este sentimiento. La verdad puede equipararse al duende del que hablan los españoles. Se da o no se da. En canto por ejemplo Lola Beltrán nos transmitía todo. Muchas de las otras cantantes, que lo hacen bien, no nos emocionan de la misma manera por no tener este duende.
Tanto ha gustado al grupo el teatro que ya están estudiando profesionalmente en la ciudad de Cuernavaca. Lo único que les pido es que no pierdan su verdad. Ellos han puesto también mi obra Cupo Limitado. No la vi. Pero en Huapango se entregan totalmente. Todos bailan, todos cantan, todos actúan. Es tan alegre la música que uno desea subir al estrado y bailar con ellos como sucede en los fandangos de Veracruz. Yo ya lo hice. Mal pero lo hice.
Muchas veces uno resalta la labor de uno de los artistas dejando de lado a los demás. En este caso todos merecen atención. Los que cantan y bailan, los que actúan, el director y la directora, todos, todos merecen nuestro aplauso para con él estimularlos a que continúen aprendiendo y dándonos algo de lo nuestro que se va perdiendo a pasos agigantados. Al terminar la función volví a sentirme orgulloso de ser mexicano. Eso me dieron los del grupo.

2.-LAS LUCES DEL AGÜERO de EDGAR VERA CON DIRECCIÓN DE DULCE ECHEVERRÍA.
GRUPO LA LIBÉLULA DE IZTAPALAPA.
TEATRO X. VILLAURRUTIA.
10 ENERO.

Termina la función de Huapango en el Teatro Julio Castillo que tiene capacidad de mucho más de quinientos espectadores. Todos ellos deben pasar para ver la segunda función del Encuentro al Teatro Villaurrutia que tiene capacidad para cien. Muchos, entre ellos yo, no pudo entrar. Supe después que dieron una segunda función para el público que esperó.
No hacía mucho que había yo visto a este grupo en un festival de teatro comunitario en Amecameca. Confieso que me gustó a pesar de sus exageraciones o de desniveles artísticos. Fue en una función dada en la calle. Lo que me atrajo enormemente fue que la puesta está basada en el texto de una niña que recobra parte de las tradiciones de la ciudad. Los artistas disfrutaron la obra pues los retrata y el público otro tanto por la misma razón. ¿Qué más se puede pedir? Ignoro cómo funcionó aquí en la Ciudad de México y en un teatro cerrado. Es posible que se hicieran notar los defectos de la puesta o la ingenuidad de algunas escenas. No importa, lo que importa es que este grupo, igual a muchos otros, es capaz de recobrar parte de nuestra identidad y trasmitírnosla. Gracias por eso.

3.- EL COMPLEJO DE EDIPO.
ADAPTADOR CARLOS ARMANDO.
DIRIGE CARLOS ARMANDO.
GRUPO RECA.
TEATRO JULIO CASTILLO.
11 ENERO

Es válido utilizar alguna obra para recrearla y con ello darnos algún mensaje ya sea político, social o simplemente cultural. Es clásico el Juan Tenorio en México. En este caso toman la anécdota de Edipo para criticar a nuestra sociedad: corrupción, engaño, sexo, drogas, ambiciones, etc. Lo hacen fársicamente y al hacerlo cometen su primera equivocación. Piensan que todo lo que digan o hagan va a provocar risa en el público. Y se dejan ir haciendo chiste tras chiste, venga o no al caso. Algunos buenos, otros regulares y francamente muchos malos. Definitivamente les faltó un dramaturgo que ajustara este largo squecht y le diera una unidad.
La segunda falla es en actuación. Hay un desnivel muy marcado entre todos los actores y los que creen serlo. La mejor, la actriz que hace de adivina y el mejor, el actor que hace de hermano de la reina Yocasta. En medio están dos o tres que tienen aciertos, para terminar con los que casi no nos trasmiten nada y que podían muy bien desaparecer de la puesta como son el pordiosero y el joven que lo guía. No puedo anotar sus nombres ya que en el programa vienen todos pero no se dice que papel actúan.
Pienso que esta misma puesta puede mejorar muchísimo si se trabaja tanto en la dramaturgia como en las actuaciones. Con una duración máxima de una hora después de haber quitado muchos chistes que no funcionan y después de uniformar la calidad de actuación puede quedar como un espectáculo que guste en muchas partes.

4,- LA QUE HUBIERA AMADO TANTO. DE ALEJANDRO LICONA.
DIRIGE NOE NOLASCO.
GRUPO TOPUTSHI.
SALA XAVIER VILLAURRUTIA.
11 ENERO.

El trabajo de Noé Nolasco y su grupo siempre me ha gustado por la seriedad y compromiso con que lo llevan a cabo y sobre todo el resultado que entusiasma al público. Esta puesta no es una excepción. A todos encantó. A mí también pero con algunos peros. Dos en resumen. El primero la exagerada pobreza de la escenografía, y no sólo pobreza económica sino también pobreza artística. Al entrar a la sala, que se cambió del teatro Villaurrutia al Julio Castillo, vemos frente al telón una serie de muebles corrientes, puestos como Dios les da a entender; una serie de utilería: ropa, vasos, botellas colocadas en desorden por todos lados. Queda al ver todo esto una sensación de suciedad, suciedad artística, que es muy grave. Parte de lo que no utilizan o utilizan poco lo tienen que empujar los actores por abajo del telón durante la puesta para hacerlo desaparecer. El actor principal aparece casi desnudo en la primera escena, sin venir al caso. Nos transmite no algo erótico sino pena por el actor que tendría que estar sufriendo de frío. Al fin se viste con un traje que un momento después cambia por otro. Más mal principio no podía existir.
El segundo defecto es el agregar al texto algunas morcillas, sobre todo al principio que no funcionan.
La obra para mí empieza en el encuentro del protagonista con la mujer salida de la lata. El beso que se dan es genial. A partir de ahí disfruté ampliamente el trabajo de Manis Sonash, Miguel Arteaga y Noé Nolasco.
Los tres magníficos, los tres con muy buen ritmo, con mucha gracia y con un buen trabajo para representar distintos papeles como en el caso de Miguel Arteaga o darle peso al suyo en los otros dos.
Ojalá que los defectos que nombré se corrijan pues son mínimos pero que influyen mucho en la recepción que tiene el público. Seguramente será de las puestas que se recomendarán para asistir a distintos festivales.

5.- FORTUNA Y VELADORAS DE SUSANA RAMOS.
DIRECCIÓN SUSANA RAMOS.
GRUPO OHYRYL.
SALA X. VILLAURRUTIA.
11 ENERO

6.- SILENCIO…TODOS TRABAJANDO. DE HÉCTOR ORTEGA.
DIRECCIÓN FRANCISCO BARRAGÁN.
GRUPO TTEA DE BAJA CALIFORNIA SUR.
SALA X. VILLAURRUTIA.
17 ENERO

Hace muchos años se estrenó en México esta farsa de Héctor Ortega. Yo no la vi o no me recuerdo de ella. Dicen que gustó mucho en su época. Ahora la trae un grupo de Baja California dirigidos por Francisco Barragán. La obra está dividida en dos partes. La primera que juega con el absurdo, con el lenguaje, con las situaciones. Es la más larga y difícil pues no se acaba de entender lo que tratan de decirnos y menos cuando se hace con tantos movimientos, cambios de voz y sonidos. Una parte no se entendió por el texto en sí y otra parte porque la dicción de los actores era deficiente. Es segundo tiempo de la obra, ya en español normal, nos lanzan los actores una serie de ideas o pensamientos sobre el hombre. Reconozco que la puesta está trabajada, que los actores tienen que haber sufrido mucho para aprenderse los textos y que el director buscó una forma de decirlos. Para su fortuna trajeron su público que los aplaudió mucho, algunos lo hicieron de pie. Para su desgracia no todos los que asistimos terminamos por gustarla a pesar del trabajo. Y fuimos muchos.

7.- FABULACIONES EN AZUL. DE LUZ MARIA GARCÍA. DIREC. OSWALDO VALDOVINOS. TEATRO JULIO CASTILLO. GRUPO ASTILLERO TEATRO. 12 ENERO

8.- EL OSO DE CHEJOV. DIREC. ARTURO GONZALEZ.GRUPO YOHUALTONALLI. TEATRO JULIO CASTILLO. 12 ENERO

El grupo Yohualtonalli tiene el mérito de atreverse a concursar con muchos grupos con mayor experiencia que ellos. Es una buena forma de aprender. Esa es mi recomendación para ellos: que aprendan de los otros, que aprendan de los libros y sus maestros y sobre todo aprendan actuando.

9.- LOS HABLADORES DE DAVID OLGUÍN. DIRECCIÓN E.CASTELAN/A. DE ALVA. GRUPO EL T. DEL FANTASMA. SALA XAVIER VILLAURRUTIA. 12 ENERO.

Pocas veces me había sucedido que lo que estuviera viendo y disfrutando por su calidad tuviera ganas de que ya se terminara. Es la verdad. Los textos son buenos, las actuaciones buenas y muy buenas, el ritmo bien, todo bien…con excepción del tiempo de representación. Los habladores, que eso son, hombres y mujeres diciendo monólogos donde se critica con bases a los políticos, a los homofóbicos, a las mujeres ricas, a pueblo dejado, al macho, a la veracruzana, a los drogos, a…son muy buenos. La lista es interminable. Termina un monólogo y sigue otro y otro y otro. No nos dan tiempo a reflexionar sobre lo que nos dijeron en el primero o el segundo o el tercero. No, ahí viene otro y otro. Todos bien hechos, todos bien trabajados. Cerca de dos horas de habladores. Eso agota a cualquiera.
Yo no quitaría ninguno de los monólogos pues todos tienen algo que decirnos. Lo que haría yo es dividir en dos la función y dar dos tandas distintas, una un día y otra en otro día. Todos saldríamos ganando. Nosotros porque podríamos disfrutar sin agotamiento lo que se nos presenta y con tiempo para reflexionar sobre ello. Los actores no se cansarían tanto. Es una sugerencia.
Lo que sí es que queda uno con la seguridad de haber visto un buen trabajo que llevan a cabo los siguientes actores: Andrea de Alva, Myrna Acevedo, Beatriz Álamo y Jesús Benítez. Falta un actor que es a su vez el director: Edgar Castelán. Felicidades por su trabajo. El grupo es la compañía El teatro del Fantasma.

10.- POLIN Y QUIN. DIRECCIÓN WILFREDO MOMOX. GRUPO TEATRO DEL ÁRBOL. SALA X. VILLAURRUTIA. 13 ENERO

Wilfredo, actor y director de este juego infantil ya tiene muy medido a su público y a partir de esto cada vez presenta alguna historia conocida o alguna nueva sabiendo cómo van a responder los niños como los que los acompañan . Utiliza recursos fáciles como es pedirle que hagan cosas en sus lugares o que los niños pasen al escenario. Todos quedan contentos haciéndolo pero esto le resta calidad a los obras. Empieza con un prólogo que se supone se da antes de la tercera llamada. Preguntan al público que para qué viene al teatro. Esto lo alargan y alargan. Al fin empieza la función y cantan y bailan un número. Lo hacen bien pero es demasiado largo. Poco tiempo después el actor joven, Fernando Muciño, canta otra larga canción, con el problema que no sabe cantar y que el texto no se entiende. El resto, el día de hoy, fueron dos historias, una de un hijo que quiere obsequiar algo a la madre, que es larga y repetitiva con algunos buenos momentos. La segunda es contarnos la historia de Romero y Julieta. Es posible que esto logre que algún niño, o mejor aún, algún padre, lean la obra original de Shakespeare. Al final el público aplaude con ganas.

11.- MOZART ILUMINADO DE CIERTO AZUL. DIRECCIÓN CARLOS JIMÉNEZ. TEATRO JULIO CASTILLO. GRUPO DE CIERTO AZUL. BAJA CALIFORNIA. TEATRO JULIO CASTILLO

12.- LA EXCEPCIONAL FAMILIA BARROCO COLONIAL DE LA NARVARTE DE ANTONIO GONZÁLEZ CABALLERO. DIREC. WILFREDO MOMOX. TEATRO DEL ÁRBOL. TEATRO JULIO CASTILLO.

Me da un gusto enorme que escenifiquen obras del maestro Antonio González Caballero, un autor al que no se le ha dado la importancia que tiene en las artes escénicas de este país. La Excepcional familia barroco colonial de la Narvarte es una crítica ácida a cierta clase social de la ciudad de México, la porfiriana, la conservadora, la hipócrita. Como en todas sus obras, sobre todo las últimas, juega constantemente con el lenguaje y con las ideas. Sus textos son largos y pueden parecer largísimos como hoy ocurrió si no se le da el ritmo requerido o se regodean en él. Siento, al igual que algún otro compañero mío, que esta puesta fue un poco jactanciosa. El director y los actores quisieron sorprendernos con muchos elementos. Algunos sí nos convencieron, otros no. Por ejemplo el personaje que llegó a molestarnos es el de la madre, el único fársico al que le pusieron vestuario muy exagerado, cabellera rubia y voz que imita a la de la Duval de la televisión. Reconozco que también hay búsquedas para presentar un texto difícil como es éste. Otra falla es el inicio del segundo acto con un baile-danza, que no tiene nada que ver con todo lo demás. Eso alarga la puesta ya de por sí extensa. Los actores bien, siguiendo las órdenes del director. Por justicia pues es una obra muy trabajada, aunque repito, no todo nos guste, daré los nombres de todos ellos. Como director y actor Wilfredo Momox. El resto del reparto es: Aarón Jiménez, Claudia Álvarez y Juan Gabriel Galinda.

A Alejandro Lamadrid no recuerdo conocerlo, él es el director y autor de esta obra que se presenta en el 20o. Aniversario del Encuentro de los Amantes del teatro. Tampoco conozco a su hermano, o al menos me imagino que lo es, Ricardo Lamadrid que hace la música de la que debe ser autor. Eso también me lo imagino pues no lo dice el programa. La obra se llama La Torre de la princesa. Al inicio de ella me imaginé que era teatro infantil con su hada bruja, sus príncipes y princesas y todo lo demás. No es así. En una puesta naif nos relatan los sueños de una joven bulímica que termina por morir a causa de ello. Sueña con que está esperando su príncipe azul por órdenes de su madre la reina. Esta la obliga a estar delgada, llevar una dieta estricta y olvidar sus placeres a los que tiene derecho. La princesa y la madre nos dicen textos bellos, interesantes, que rompen con alguna mentada de madre. Y así se van rompiendo géneros y estilos. Todo es sorprendente. Algunas veces nos molesta y en otras nos encanta. Algunas veces pecan de ingenuidad y en otras de lo contrario. ¿ A la mitad de la obra me pregunté si me estaba gustando, si tenía algo positivo? Rápido dije que no para decir inmediatamente que sí. Y es la verdad. La obra terminó por atraparme y seducirme. Me sedujeron las muchachitas que no tienen casi volumen de voz pero que cantan bien. Me sedujo la reina madre, la bruja hada madrina y todo lo demás, pero en especial el texto que me contó una historia, que me hizo reflexionar sobre un problema actual de la juventud, en especial de la femenina. Terminé aplaudiendo con ganas. Entre los actores hay otro Lamadrid, Víctor. Así que pienso que es una familia teatral. Qué maravilla. Me gustaría ver próximamente otro trabajo del grupo. Me dicen que vienen de Texcoco. Con gusto iré allá a ver su trabajo.

Si yo estuviera todavía en la escuela y me llevaran a ver esta puesta en escena, lo primero que exigiría es que toda la historia y la clase de literatura me la dieran de esta forma. Sencillamente me encantó el trabajo Alexis Braulio que viene de Durango. Es un monólogo en que nos relata una parte de la Iliada. Con casi nada material: un helicóptero de juguete, una caja con una tela, varios muñecos de plástico y alguna otra cosa sin costo, nos deleita con las batallas griegas, con los retos de los mandatarios, con los amores de Elena, con la toma de Troya. Todo parece sencillo y la verdad que no lo es. Cada minuto, cada cosa que hace, está muy pensada para sacarle partido. Utiliza todo su cuerpo y su voz para eso. Baila, canta, hace ruidos, imita sonidos, hace mímica. Y todo lo hace bien. Y que conste que no es el prototipo de hombre joven, no qué va, Alexis es gordo, más bien lleno o llenito como decimos por acá. No bien parecido. No bien vestido. Pero que bien actúa, que bien crea, que bien logra que nos divirtamos en grande. Eso es ser artista. Ojalá y regrese para que puedan verlo más público. Definitivamente será uno de los espectáculos que yo seleccionaré para que asista a todos los festivales posibles. Alexis es el director, el autor y el adaptador además de productor, coreógrafo, iluminador, escenógrafo. En fin, es todo en esta puesta en escena. Lo felicito sinceramente. Lo califico con un diez.

Esta comedia de Norma Román Calvo la vi hace tiempo. La imagen mental que tengo es que era muy diferente. Era comedia. Ahora es farsa. El director exagera todo en ella. Los actores se comportan como en cine mudo de tragedia abriendo mucho la boca, quejándose, torciéndose. Y eso todo el tiempo. La realidad que a mí me cansó. Las reacciones eran las que se esperan cuando se le anuncia a un personaje que se murió su esposa y sus hijos o algo así. Pero no, les decían que la puerta no cerró y se retorcían igual. Es posible que yo no estaba de humor para eso pues parte del público reía. Los actores cumplen con esta propuesta y lo hacen bien. El director tuvo ese punto de vista sobre el texto y tiene la libertad y el derecho de hacerlo. Como tengo yo lo mismo para no gustar de este tipo de propuesta en este tipo de obra. A Antonio Linares le he visto otros trabajos que sí me han gustado. El trabaja en esta puesta con Luis Noguera, Dzoara, Bernardo Molina y Karla Mendoza. El que guste de este tipo de humor tiene la oportunidad de ver esta puesta en los teatros de Sogem en Coyoacán.

En esta puesta en escena original de la directora del grupo Tatuami Silvia Corona su objetivo principal es, pienso yo, darnos un punto de vista político sobre los sucesos de la ciudad de México. Silvia siempre ha sido congruente con ella misma en cuanto a su pensamiento, ella es de izquierdas y su lucha ha sido por la igualdad, por la justicia, por la paz. Esto queda claro en varias de las escenas de su obra que transcurre en un vagón del metro. Lograr esto viene a ser su cualidad y su defecto. Cualidad porque se manifiesta libremente y defecto por hacer casi un teatro panfletario que entorpece muchas veces la acción y el ritmo. Es un mensaje sobre otro. Alguno no muy claro como el del espermatozoide preso entre cuatro viajeros, otros muy obvios y algunos con creatividad. Siento que Silvia no logró jugar con tantos elementos como puede tener un Metro y con ellos darnos algo más crítico. Ya será en la próxima.

18.- EL JUEZ Y DON JOSÉ. CANCIÓN DEL AÑO VIEJO. TEATRO JULIO CASTILLO. JUEVES 17 ENERO.

Dos obras, una muy corta de Luisa Josefina Hernández y otra de Manuel Herrera, autor que desgraciadamente murió muy joven. Fue la cuarta que vimos este día, la última de ellas. Dicen, y en este caso con razón, que los últimos serán los primeros. Si pudiera resumir en una palabra mi impresión diría que ésta es delicia. Y sí, fue una delicia ver a todos estos actores amateurs de la tercera edad dirigidos muy bien por Luis Robles decir sus textos y actuarlos. No todos, pero sí la mayoría calculo que pasan de los setenta años de edad.
Dejemos un momento de lado la función y veamos como el teatro puede resucitar a los viejos, hacerlos útiles, lograr que disfruten lo que hacen, sentir que son útiles a ellos mismos y a la sociedad. Qué lejos está este grupo de otros que he visto en asilos de ancianos que lo único que esperan es morir. Ya no tienen vida. El teatro, y seguramente también todas las otras artes: música, poesía, escultura, etc. son una de las mejores medicinas que se les puede dar a estos seres humanos tan abandonados.
La primera obra, la de Luisa Josefina es para actores varones y la segunda, la de Herrera para mujeres. Las dos llenas de humor y conocimiento de las personas que ya transcurrieron su vida activa. El final del espectáculo en que se unen los dos grupos hizo que el público se pusiera de pie y aplaudiera con ganas. Este final para mí fue muy corto, me hubiera gustado que se alargara un poco más, que los viejos, por ejemplo, bailaran un danzón. Pero esos son mis gustos.
Todos los actores me gustaron, me conmovieron, pero si es necesario nombrar a dos o tres de ellos por sobresalir un poco de los demás yo anotaría a Helia Vasconcelos y Aída Campos. Pero repito, todos me gustaron y me gustaron mucho. Felicidades. Ojalá y los podamos ver en otros foros.

19.= COLOR BLANCO SOBRE MUSICA JAPONESA. VIERNES 18 ENERO TEATRO JULIO CASTILLO.

Al principio me sorprendió el espectáculo que presentó el Instituto Ruso Mexicano dirigido por Alexander Mintchenko. En primer lugar por presentar un espectáculo sin el menor humor siendo que la convocatoria del ITI UNESCO decía que éste tenía que estar presente en todas las obras. En segundo lugar que no hayan cuidado el sonido ya que la música se interrumpió casi al comenzar la obra. Para terminar con los defectos que yo vi otro fue el permitir que alguno de sus actores bailarines salieran con las piernas sin medias blancas. Si todo es etéreo también esta parte del cuerpo tiene que serlo. El último, que ya no es defecto pero que sí me causó cierto molestar es el rompimiento que hacen ya terminada la obra y todos se ponen a aplaudir y a sonreír. Creo que en este caso siempre deben conservar la imagen que nos proyectaron durante todo el tiempo. Quizás, si hay varios telones, ya en los últimos sí romper con la imagen pero no inmediatamente como lo hicieron. Es como si tuviera yo una fina porcelana japonesa y me la rompieran por un mal movimiento. Las cualidades son muchas. Una, ya conociendo la trayectoria del grupo, es la búsqueda constante de algo nuevo. Cada año es algo totalmente distinto al anterior. Hoy tocó a Japón y sus artes. Las imágenes muy bellas, el vestuario igual. Los actores quizás con cuerpos un poco llenos pero que lo hacen bien. El tema principal es la relación hombre mujer, relación anímica y relación erótica. El guerrero con su enorme capa conseguía cambiar a los personajes que están en el escenario por otros. Me encantó lo blanco y todo lo que esto significa. Las telas blancas eran unas transparentes, otras brillantes, algunas con dibujos, otras lisas. Los kimonos estilizados son muy bellos. Quizás lo que menos me gustó fueron los movimientos en el piso que se repiten y no se ven bien. Da la impresión de que las telas se enredan entre tanta voltereta. Algún compañero me comentó que se le hizo muy largo y muy lento el espectáculo, que se repetía. A mí personalmente no me lo pareció. Disfruté de la coreografía, de la música, de las danzas, de la plasticidad. Sé que el próximo año nos darán la sorpresa de presentarnos algo distinto. Los esperaremos con paciencia.

20.- TRILOGÍA DEL TEATRO MEXICANO. CARBALLIDO, LICONA Y PÉREZ. JUEVES 17 ENERO TEATRO JULIO CASTILLO.

Fernando Pérez Morales se ha distinguido en todos los Encuentros por ser el que mayor número de espectadores tiene. Esta vez no fue la excepción. Llenó totalmente el Teatro Julio Castillo (Estamos hablando de más de 800 espectadores). La mayoría del público fueron jóvenes de preparatoria. Qué bueno que vengan al teatro, de eso se trata este Encuentro. Ojalá y también sus profesores los preparen para asistir a una sala como la Julio Castillo. Los jóvenes chiflaban, gritaban, escandalizaban. Cada vez que se hacía un oscuro el griterío y la rechifla aumentaban. Las obras escogidas por el director tienen como tema principal el sexo y esto propició un mayor relajo en ellos. Tanto era el escándalo que los actores tenían que gritar para que medio se les escuchara. Terminaron las tres obras, volvieron a gritar, salieron de la sala y no volvieron para ver la segunda del día. Una lástima. Es necesario ganar ese público para el teatro, eso es fundamental para el futuro. Pero hay que prepararlos.

21.- DON ANTONIO Y DON GORGONIO. TEATRO JULIO CASTILLO. VIERNES 18 ENERO 2008. DIRECTOR JOSÉ G. DOMÍNGUEZ.

Se piensa que hacer algo con humor es muy sencillo, que basta con un grito, decir una grosería o exagerar cualquier cosa. Y no, no es nada fácil. En este Encuentro hemos visto ya a varios grupos fallar por no encontrar la vena humorística. El grupo de Aguascalientes que nos han traído varios montajes con calidad ahora falla en esta puesta. Y falla por lo dicho anteriormente. Los tres actores exageran todo: gestos, voces, vestuario, movimientos. No es nada bello el caballo y menos la muerte. No son adecuados los bailes a la música que se escucha. Otra de las formas que buscan para hacer reír son puros lugares comunes: que el cura saque un brasiere de sus ropas, que un actor salga vestido de mujer con grandes pechos, que…Son muchos los ejemplos. Otra falla que hace perder totalmente la atención y transforma todo en falso es la parte técnica. Una proyección nos muestra la biblioteca de Aguascalientes. Muy bien. Pero al rato se detiene y empiezan a salir letreros de la computadora en inglés. Y eso durante mucho tiempo. Nuevamente logran poner la imagen la que se vuelve a perder para ver letreros de Yahoo o algo así. El mérito de esta puesta está en el texto en verso. Eso nos gustó a todos. Ojalá y continúen enviando trabajos serios que es lo que hacen muy bien.

Eduardo Calderón, el director del grupo de Reynosa, Tamps. tomó un texto de la adaptación que hizo María Alicia Martínez Medrano de otro de Elena Poniatowska. Ni el primero y menos el segundo son teatrales. María Alicia que es sobre todo una muy buena directora de teatro tomó algunos puntos centrales de la historia de Elena y los llevó al teatro, me imagino que con mucha fantasía. Eduardo Calderón que maneja teatro infantil le gustó y lo puso. ¿Qué sucede entonces? Que tuvo que rellenar con bailes que no tenían nada que ver con el texto para hacer más tiempo. La historia como nos la cuentan es demasiado sencilla. Una niña que no va a clases para ir a platicar con los árboles, una madre que la regaña por no hacer sus tareas y un abuelo que después de muchos años conoce a la nieta. El también tiene imaginación y sí cree en los dragones y en que los árboles platiquen. Cuando se reunen el abuelo con la niña piensa uno que va a empezar la verdadera obra, la acción dramática… y no. Del techo caen unos globos y se acaba todo. Por lo demás los actores están bien, sus elementos escenográficos como los grandes telones pintados lo mismo y los bailes cumplen.

Mucho circo y poco teatro diría yo al observar este espectáculo dirigido por Jorge Diaz Mendoza. Teatro mudo pues la única voz que se escucha está grabada lo que dificulta la comprensión de la historia. No vi el reloj pero sentí que duró mucho, mucho tiempo esta puesta en escena. Se repetían una y otra vez los gestos exagerados, sobre todo de las mujeres, las carreras, los gemidos. Si no hubiera yo leído la nota que nos cuenta lo que va a suceder difícilmente lo hubiera captado por el exceso de cosas sin importancia que nos muestran. Eso sí, lo circense es espectacular, sobre todo para los niños a los que está dirigida la obra. Los actores se trepan a un tubo alto, se trepan uno encima del otro, brincan. Los niños y los padres aplaudían todo esto y yo también. Pienso que si se hace más corto el espectáculo, se le da mayor realce a la historia y se le agregan más números de circo puede quedar como algo que se pueda presentar en cualquier lado. A la salida un padre con sus hijos nos preguntó que dónde se iba a presentar este grupo otra vez pues les encantó a todos.

24.- LA FARSA DEL PASTEL Y LA TARTA. DOMINGO 20 ENERO. TEATRO JULIO CASTILLO.

Confieso que no todo lo que he visto en esta muestra o encuentro teatral me ha gustado. Alguna obra ha sido mala o muy mala, pero no me han molestado. Siento que les falta preparación y esa la pueden obtener. La Farsa del Pastel y la Tarta es la primera que me molesta, que me enoja. Y voy a decir el por qué o los por qués. En primer lugar por su mensaje. Dos pillos que no trabajan y tienen hambre engañan a unos pasteleros a los que le pidieron primero limosna que no se les dio. En revancha los engañan y les roban un pastel. Los niños felices de que hagan esto. Viene el pastelazo para provocar risa, Con los dedos uno de los pillos le llena de pastel la cara al otro y viceversa. Después pasan el pastel al público. Todos los niños meten mano a él y con las manos embarran los asientos, el piso. Un asco. No dudo que muchos niños se enfermen pues de tantas manos sucias que metieron los dedos en la masa alguna puede estar enferma o tener desde huevecillos de amibas hasta otros gérmenes. El escenario quedó igualmente hecho un asco. Los pillos no contentos con esto planean robarle una tarta de almendras a los pasteleros. Estos se dan cuenta y castigan a los pillos pegándoles. Los pillos en venganza le piden a los niños del público que pasen al escenario y les peguen a su vez a los pasteleros, cosa que hacen encantados. A los niños no se les pide que dialoguen, que lleguen a un entendimiento. No, les piden que peguen. En resumen los castigados no son los que roban sino los robados. Chistoso, al final los actores preguntan al público que mensajes obtuvieron. Por ejemplo que el robo era malo después de mostrar lo contrario. Que la higiene debe respetarse después de que ensuciaron todo el teatro. Que no hay que usar la violencia después que ellos la usaron todo el tiempo. Ya quisiera ver al director con muchos niños en su casa dejándolos que embarren todos sus muebles y paredes y que al terminar le vayan a pegar. Del coraje ya hasta había olvidado que el espectáculo lo inician con una canción de Cri crí que no tiene nada que ver con lo que vamos a ver después.

25.- EL CARRETÓN DE LOS SUEÑOS. DOMINGO 20 DE ENERO 2007. TEATRO JULIO CASTILLO.

De todo lo que he visto en este encuentro dedicado a los niños recomendaré para ser llevado a cualquier festival a este trabajo de Reynosa, Tamaulipas. Basado en un texto de Coral Aguirre, una dramaturga y directora argentina radicada en nuestro país, el espectáculo nos cuenta con mucha gracia y belleza la evolución del teatro. Recalcan mucho la aparición de la mujer en escena que se da muchísimos años-siglos- después del inicio de esta. Es increíble el esfuerzo que hacen estos grupos que no sólo traen, sin ningún pago, a todos sus actores, sino que también nos traen muchos elementos escenográficos como es una enorme carreta de madera, muchas telas, vestuarios y otros elementos como instrumentos musicales. Norma Valenzuela y Ricardo López, ella bailarina y él actor, ambos directores, nos deleitan con cantos, bailes y recitativos que logran hacernos llegar su grupo de teatro In Lak’ech (Ignoro que quiera decir este nombre). Ángel Mata, May López, Angelina Salazar, Valeria Estrada, Norma Valenzuela y el propio Ricardo López son los encargados de esta creativa puesta en escena. Todos entregados, todos respetuosos del texto, todos bellos. Bellos en el arte. Aquí también en un momento pasan a los niños al escenario pero es para que le den la mano al arte y no a la suciedad como en la otra obra presentada este mismo día. ¡Qué diferencia! Felicito al grupo tamaulipeco por su trabajo que espero ver en algún otro lugar de la República cuando los inviten.

26.- DON JUAN O EL CONVIDADO DE PIEDRA DE MOLIERE. DOMINGO 20 DE ENERO. TEATRO JULIO CASTILLO.

Traer a veintitrés jóvenes más los directores, músicos, tramoyistas y demás de Irapuato a la Ciudad de México en un camión que salió a las seis de la mañana y regresar a esa ciudad el mismo día ya de noche para mí es agotador pero creo que no para el grupo. De venida me los imagino repasando sus papeles, de regreso felices por el largo aplauso y las felicitaciones que les llovieron, entre ellas la mía. Y sí es para felicitar a un grupo juvenil que saca con gran dignidad un trabajo difícil. Y esto es mérito de Francisco Escárcega, el director, y de sus ayudantes. Lo primero que me sorprendió del grupo fue la voz. La voz de todos ellos. Si algo falla en las muestras teatrales del país es precisamente la voz que o no se escucha o tiene muy mala dicción. El grupo de Irapuato nos demostró que sí se puede cuando se trabaja. A todos se les escuchaba, todos tenían buena dicción, aunque eso sí, algo de sonsonete. En segundo lugar me sorprendió la memoria de todos, en especial de los personajes principales. Don Juan es una obra muy larga y con mucho texto. Prácticamente no hubo fallas en esto. Algún pequeño olvido que se subsanó inmediatamente. Lo tercero y último fue la seguridad de los muchachos. A ninguno se le notó tembloroso, inseguro. Parecían actores ya con muchas tablas. La historia fluye muy bien, nos reímos mucho de lo que sucede en escena y nos encantamos de las actuaciones. Considero que la obra debe ser llevada a muchos sitios como ejemplo de que los jóvenes pueden hacer un teatro digno. En caso de que lo consigan les recomendaría dos o tres cosas: quitar el baile del inicio que da la impresión de un baile de quince años de alguna colonia popular, quitar los personajes árboles y fuego que sólo estorban y no dan nada y por último uniformar el vestuario. Quiero resaltar, por que lo merecen, la labor artística de tres personajes: Salvador López Venegas que hizo el Don Juan, Luis Francisco Escárcega Méndez que hizo a Don Luis y a Luis Manuel Corona Vergara en el cómico papel de Sganarelle. Muy bien los tres.

27.=BASURA, PROHIBIDO MIRAR AL INTERIOR. DOMINGO 20 DE ENERO. TEATRO JULIO CASTILLO.

Difícil resulta apegarse a normas. Este festival del humor ha sido una muestra de ello. Huapango, con la que se inauguró, tenía humor en los versos de los sones jarochos pero terminaba siendo una obra seria. Ya no se diga del teatro danza ruso ya reseñado que no maneja ningún tipo de él. Ahora pasa la mismo con Basura, prohibido mirar al interior. El saber que iba a tratarse de una obra de cabaret iba uno preparado al humor propio de estos sitios, humor erótico en especial. Y no lo hay. El público logra reír por algunos movimientos del personaje fantasma solamente. Lo demás es un gran melodrama en que un ser bueno-el maestro- es escarnecido por todos, principalmente por Lola, su mujer. Esta puesta pasó de un mini local donde se presenta habitualmente al gran escenario del teatro Julio Castillo. Y esto no es nada fácil. Pero Jorge Ramos lo supo resolver ayudado por los técnicos teatrales que-honor a quien honor merece-se han lucido en este Encuentro. En minutos construyeron el cabaret con sus cortinas, su pista, sus mesas. Claro, en tan poco tiempo no puede todo ser perfecto. Faltó luz en algunas escenas y el sonido impidió llegar bien la voz de las cantantes. La historia que nos cuentan proviene de una novela de principios del siglo XX y sobre todo de la adaptación cinematográfica que hicieron de ella, titulada El Ángel Azul y que ahora es una joya del cine mundial. El ritmo fue lento, no sé si así lo marca el director o la causa pudo ser las grandes distancias que tenían que caminar los personajes ya acostumbrados a las cortas. Pero aún así la historia queda muy clara, los actores dan lo mejor que pueden y el público aplaude complacido.

28.- LAS MUJERES SABIAS DE MOLIERE. MARTES 22 ENERO. TEATRO JULIO CASTILLO.

A la compañía de teatro Pique, repique y capote de Tlalpan el teatro Julio Castillo les quedó muy grande y por lo mismo ellos se achicaron. Es muy seguro que sus ensayos los hayan hecho en un espacio pequeño. Así que marcaron un cuadro que colocaron al fondo del escenario y ahí hicieron la obra. Su escenografía fue un simple mueble con un tocadiscos antiguo y nada más. Eso está bien. No se necesitaba más. Lo malo fue el no poder utilizar el espacio que les ofrecían. Ellos necesitaban pasillos para entrar y salir. Los hicieron en su pequeña área en lugar de usar lo que tenían de sobra. Los movimientos fueron muy pocos y muy repetitivos. Hay poca dirección. Sí, pero el texto se entendió, la gente rió cuando tenía que reír, los personajes, dibujados y todo, ahí estaban. Fue un trabajo digno que sí, debe seguir preparándose, pero que ya logró algo: hacer teatro.

29.- JACQUES Y SU AMO DE KUNDERA. MARTES 22 ENERO. TEATRO JULIO CASTILLO.

Al terminar la puesta un amigo me comentó que a los actores les faltaba algo de dicción y que tenían todavía un sonsonete estudiantil. Y sí, así es. Pero todo lo demás es muy bueno. Personalmente quedé encantado y con ganas de recomendar este trabajo para que sea visto en otros lugares. La historia de Kundera es muy buena, yo ya la había gozado cuando la puso Margules y en la escenificación de los alumnos de arte teatral del CEA. Ahora me sorprende un grupo capitaneado por Rafael Sandoval Roquet. El programa dice que vienen de Coyoacán pero no nos especifican si son alumnos de alguna escuela teatral o de una preparatoria. La lista de actores tampoco nos da a conocer quién hizo éste o el otro papel. Ellos son, pues merecen que sus nombres aparezcan, Miguel Ángel Sandoval, Manuel A. Cárdenas, Laura Ruiz Mondragón, Balam Eduardo Garfias, Eleuterio F. Sánchez y Nara Aleida Hidalgo.
Una parte del público subió al escenario desde donde vio la obra, el resto se colocó en las butacas habituales. Era mucho público para un solo lugar. Yo estuve arriba. Los jóvenes no se espantaron de tener al público tan cerca, antes bien se crecieron al castigo y nos ofrecieron una función llena de movimiento, de alegría, de entrega. Qué gusto da al ver un grupo con tanto entusiasmo. Los pequeños defectos que tengan ya los corregirán con el tiempo. Lo que lograron fue mucho.
Dos grupos, éste y el de Durango, nos enseñan que con muy pocos elementos se puede hacer una buena puesta en escena. Una simple escalera sirve como cárcel, como la escalera para subir a una buhardilla, para mucha otras cosas. Lástima que muchos grupos que han participado no asistan a todas las obras que se ofrecen. Aprenderían mucho de ellas. Si ven algo malo y lo reconocen tratarán de evitarlo, si es algo bueno podrán imitarlo.
Por lo pronto los que vimos la función nos divertimos y también aprendimos algo.

30.- UN PASEO ENCANTADOR. TEATRO JULIO CASTILLO. MIÉRCOLES 23 ENERO 2008.

Pocas veces he asistido a una función tan corta. No pasaron ni quince minutos entre el comienzo y el final. Esto sorprendió mucho al público que no sabía si tenía que aplaudir o esperar algo más. Pero fue todo. Prácticamente es un sketch cuya autora es la muy conocida actriz argentina Nini Marshall que hizo muchas películas en este país, sobre todo con Joaquín Pardavé. La historia es más que sencilla. Una mujer que no logra comunicarse con su novio por teléfono. Nos cuenta que quizás es porque el día anterior fue con él de paseo en su coche y llevó a su obesa madre, a sus doce hermanos, al perro y la gallina. Destruyeron vidrios, asientos y vestidura. Al final vuelve a preguntarse si será por eso que no le ha hablado. Una actriz argentina que yo no conocía y que se llama Susana Virgili es la encargada de darle vida al personaje. Durante todo el corto monólogo nos dio la sensación que se le olvidaba el texto. Nunca supimos si así era o simplemente era un gag de ella dentro del trabajo. La gente río y aplaudió. Y es todo.

31.- QUÉ POCA…PALABRA. TEATRO JULIO CASTILLO. MIÉRCOLES 23 ENERO 2008.

Con esta obra se cierra el Encuentro de los Amantes del Teatro donde hemos visto cosas buenas, regulares y malas, como sucede en todos los encuentros y muestras. Uno quisiera que todo fuera de gran calidad sin tomar en cuenta que muchos de los grupos que se presentan no tienen dónde prepararse, que en sus estados no hay escuelas de teatro ni bibliotecas especializadas, menos maestros. Bastante mérito con lograr lo que vemos.
Ray Nolasco, autor y director, nos tiene acostumbrados a un buen trabajo, algunas veces magnífico como el del año pasado, así que esperábamos mucho de él. Por algo cierra el Encuentro, nos dijimos.
Lo que nos presentó se titula Qué poca…palabra. Es una obra ecológica que nos habla del fin del agua en la naturaleza y como los países se pelean por la poca que existe. Muy loable esto.
Por esta vez pienso que se equivocó el autor. Quiso jugar con el cine mudo donde aparecían letreros que nos daban a conocer la historia. Buena idea. Sólo que, como ha sucedido con otros grupos, la técnica les falló. Al principio pasaban los textos a gran velocidad y no se podían leer. Otras veces aparecían textos en inglés de la computadora lo que rompía la posible magia. Para que esto funcione bien se requiere de muchos ensayos con todo el material, cosa que en esta muestra no es posible. Las acciones las llevaron a cabo cuatro actores que representaban a América, Asia, Europa y África. Todos se movían y se movían. Iban de un lado a otro. Se peleaban. Y todo alargándolo eternamente. Acabó por parecerse todo ya no importando lo que nos querían decir. Los mismos movimientos, los mismos gestos. Me encantaría decir que la puesta me encantó pues conozco el trabajo y la responsabilidad del grupo aparte de su búsqueda. Pero no, tengo que confesar que me cansó y que en un momento lo que deseaba es que ya se acabara. Ojalá y otro crítico y sobre todo el público tenga otro punto distinto del mío. Al que le aplaudo es al joven que nos dio la música, no tengo su nombre, pero lo hizo muy bien.

Sé que el próximo año, y aún antes, veré algún otro trabajo de este grupo y posiblemente me entusiasmará como muchos otros que les he visto.