LOS MUERTOS SE FACTURAN Y LAS MUJERES SE DESNUDAN
GRUPO: ESCILA Y CARIBDIS
DIRECTOR: ÁNGEL LUNA
AUTOR: DARIO FO

Uno se entusiasma, comenzando por el autor DARIO FO Premio Nobel de Literatura 1997, además de dramaturgo, Dario Fo a sus más de 80 años de vida, es también director y diseñador de trajes y en ocasiones incluso compone la música para sus obras, junto con Francia Rame, su esposa y  principal actriz, quien contribuye a la realización de los libretos, entre ambos han producido teatro durante 45 años, buen ejemplo, ¿no les parece?

En México “La Muerte accidental de un anarquista” y “Misterio Bufo” son las más conocidas y representadas, pero DARIO FO es ampliamente popular en nuestro país y no precisamente por esta breve representación que lleva el título
LOS MUERTOS SE FACTURAN Y LA MUJERES SE DESNUDAN, que fue escrita en 1957 y con la que realizó una gira, esta solo es una de las cuatro farsas que integraban el programa y es una historia corta donde ocurren una serie interminable de equívocos, cambios de identidad, personas que tropiezan con escalones, vendas en los ojos, payasadas de arriba abajo.
Y esto es lo que hace el grupo Escila y Caribdis y a decir verdad, muy bien, un buen ritmo escénico, gracia y simpatía de todo el equipo, un investigador excéntrico, una sastre teatral, un novio despistado y un agente funerario, se complican la vida tratando de descubrir la causa de la muerte del novio de la dueña de la sastrería y la aparición simultanea de otros muchos cadáveres por toda la propiedad, una hora y quince minutos haciendo el esfuerzo por divertir al público, no es poca cosa, tiene sus méritos.
No estamos frente al mejor texto del genial dramaturgo italiano, pero si frente a un estilo de teatro popular que cumple con entretener sanamente a la familia, la clasificación es para todo público, porque no hay tantos cadáveres como uno podría suponer y las mujeres nunca se desnudan, pero en cambio Angel Luna nos demuestra que el teatro también tiene que ser divertido y cumple con la noble misión de distraer y proporcionar un sano esparcimiento, no todo es drama y tragedia señores.
El reparta esta integrado por: Ángel Luna, Juan Carlos Olivas, Leslie Aldana, Maria Fernández, Gerardo Ochoa y Sandra Rochi, es un equipo que merece buenas oportunidades, como esta, de participaren  el XIX Encuentro de los Amantes del Teatro y quien sabe si algo más.
Por: Jorge Ramos Zepeda
Presidente de la AMCT serendipityj1@hotmail.com

SALOME
GRUPO CATALEJO
DIRECTORA DARIELA PERESZ HERNANDEZ
AUTOR OSCAR WILDE.

Wilde escribió Salome en 1890 y nunca admitió que esta hubiera sido escrita para La Bernhardt, aunque siempre estuvo encantado que la Divina Sarah la interpretara, para su estreno el sensor de obras teatrales se negó a dar la autorización, porque entonces no era permitido representar en el teatro a personajes bíblicos y en cambio la perversidad sexual de la obra no era un factor importante. Así que se realizaron funciones privadas en diversas ciudades del mundo y fue hasta 1931 que se estrenó en Londres, aunque Wilde nunca pudo verla.  SALOME debe ser texto muy cautivador, pues en el 2005 la Compañía Reflejos, bajo la dirección de Fernando Montenegro y su grupo de alumnos la representó, aun en contra de su propia destrucción en el XVII Encuentro de en los Amantes del  Teatro.
Toca el turno al Grupo Catalejo que dirige Dariela Pérez Hernández, estrenada el 17 de enero, eso si, con más ambiciones y aspiraciones que Montenegro.
Con música en vivo, sombras y títeres, intentó sumergir al espectador en un mundo de fantasía y goce sensorial, nada más difícil que tratar de alcanzar los cinco sentidos y rebasar sus limites, incluyó a un actor sordomudo en escena y mientras él se expresaba silenciosamente con las manos, otros hablaban a grandes voces o vociferaban como Gabriel Salazar (Herodes), cierto es que algunos elogiaron su  voz, pero otros nos cubríamos los oídos, eso es lo de menos, lo que nunca entendimos fue porque este gobernante lujurioso que no respeta a nadie y es un Monarca, se empeñó en arrastrarse por el suelo toda la obra, mientras babeaba por su hijastra Salomé y atrayéndola con toda clase de promesas, le rogó durante toda la representación que bailara para él, toda esa larga y dilatada perorata hubiera valido la pena, si al momento en que Salomé se decide hacerlo y eso es lo que todos esperamos, Sara Manni se hubiera desprendido de los siete velos, pero no, bueno, si por lo menos hubiera bailado algo lógico, pero sólo se contorsionó y nunca mostró esa extraordinaria habilidad erótico sexual que embruja a los hombres, por su parte a Jokanaán, representado por Guillermo Uribe, solo lo vemos en sombras con un corte de pelo regular y en cambio cuando le cortan la cabeza luce una larga cabellera, estos y otros momentos de humor involuntario los disfrutamos en voz baja, no obstante esta Salomé es un como un armazón contrastante de todo lo que hasta ahora habíamos visto, la Salomé de Catalejo, es como un tejido extraño de formas y estilos que por su rareza contiene una especie de raro hechizo y aunque no hubo siete velos, mantuvo al público en su butaca durante 75 minutos.
Oscar Wilde escribió Salome a finales del siglo XIX, en el momento en que él, estaba inmerso en la poesía francesa y era líder de un movimiento estético que siempre defendió, el caso es, que después de 117 años aun no podemos ver una representación creíble de esta historia, incluidos todos los intentos en cine, en el teatro amateur, en el profesional, incluso en la Opera, bueno hasta Al Pacino el año pasado defraudó al público estadounidense con otra malograda Salome, él que casi nunca nos falla.
Por: Jorge Ramos Zepeda Presidente de la AMCT serendipityj1@hotmail.com

CLOTILDE EN SU CASA “La Cereza de un pastel”
GRUPO COMA PRODUCCIONES
DIRECTOR: JOSEFAT AGUILAR
AUTOR: JORGE IBARGUENGOITIA
NETZAHUALCOYOTL, EDO. DE MEXICO.

Delicioso, así sencillamente delicioso, CLOTIDE EN SU CASA es como la “cereza de un pastel” en esta XIX Muestra Nacional de los Amantes del Teatro, no se requiere más, un simple plástico decorado sobre el piso, un diseño luminotécnico sin variaciones, bella música, una coreografía, cinco actores y un talentoso director  derrochando ingenio sobre el escenario.
El extraordinario texto de Ibarguengoitia ha permitido que este equipo bien conformado de Cd. Neza, nos muestre las enormes posibilidades que tiene el teatro mexicano, cuando se hace con gracia natural, disciplina y entrenamiento, con objetividad y respeto, tuvimos que esperar 13 días de representaciones, para salir del teatro un día como este, 18 de enero y expresar por mayoría o tal vez por unanimidad, una total satisfacción de haber visto un buen espectáculo, completo, entretenido, divertido y sincero. Ni la Compañía Nacional de Teatro, dirigida por Luís de Tavira y con un presupuesto fuera de toda proporción, logró lo que estos jóvenes de Netzahualacoyotl consiguieron esta noche. Así como elogios, me sobran nombres en el programa de mano, para mencionar a cada uno de ellos, solo he visto a cinco actores en escena y tengo siete a quien nombrar, supongo que son alternantes: Daniel Victoria, Diana O. Montesinos, Yunuen Castillo,  Élizabeth Muñoz y Nallely Aguilar, Jossefat Aguilar y Jorge Salinas. Felicidades por el triunfo que obtuvieron y por las ofertas y oportunidades que esto les proporcione, Renato de la Riva, director teatral, me confió un secreto, él esta dispuesto a llevarlos en temporada con todos los beneficios para el grupo Coma Producciones a su Foro Luces de Bohemia, una oferta difícil de rechazar y muy merecida. Personalmente es uno de los grupo que como integrante del Comité de Selección recomendaré a la Maestra Isabel Quintanar, para que sea promovido por el Centro Mexicano de Teatro, pero necesitan conservar ese brío, esa unidad en el equipo y ese estilo indiscutible que los diferenció de muchos de los grupo que están participando en este importante evento cultural.
 Jorge Ibargüengoitia fue ante todo un literato con alto sentido crítico. El humor de sus novelas, sus obras teatrales y sus artículos periodísticos son de un sarcasmo fino y salvaje. Clotilde en su casa la escribió en 1955, en ella, como otras de sus obras teatrales, El Viaje superficial y El Pájaro, echó mano del costumbrismo para convertirlo en la base de historias irónicas y sarcásticas. Lo más extraordinario de Ibarguengoitia es la manera como utiliza su agilísima prosa para diseccionar y destazar, para ridiculizar y poner en evidencia a sus personajes y en el caso de Clotilde, del microcosmos de la provincia mexicana en una época que ya huele a nostalgia. Con excepción de Susana y los Jóvenes la  obra que hoy nos ocupa, Clotilde en su casa, toda su producción teatral fue un fracaso, por eso dejo de escribir teatro, el defecto de sus obras, según él mismo, “es que no tienen un personaje principal, siempre hay más, todos son iguales y eso a nadie le interesa”.  Alumno de Rodolfo Usigli,  al graduarse se hizo docente y ocupo el cargo de su maestro. Murió en 1983 al estrellarse el avión en que  viajaban él y la actriz Fanny Cano.

Por: Jorge Ramos Zepeda Presidente de la AMCT serendipityj1@hotmail.com

BODAS DE SANGRE 
COMPAÑÍA LATA DE SUEÑOS,
DIRECTORA: LAURA LOPEZ
BODAS DE SANGRE nos muestra que la verdadera lucha por ser uno mismo, puede terminar en uno de los silencios más injustos y más aterradores, ocho actores y dos músicos hacen realidad esta tragedia, donde la luna representa a la muerte y la ropa de los personajes simboliza la pena que llevan dentro, cada uno por distintos motivos. En Bodas de Sangre, la madre pierde todo y en su soledad solo vela por sus difuntos y espera su propia muerte, la novia atrapada entre dos hombres por una pasión adormecida se entrega a Leonardo, casado contra su voluntad con otra mujer y quemándose de celos por dentro, por otra parte, el novio tradicional y práctico celebra la boda hasta que descubre la verdad y empuña la navaja para vengar su honra y la muerte de su padre y hermano, escena donde las navajas relucen para hundirse en la carne en medio de un bosque oscuro y misterioso, lucha que esperábamos ver y no fue incluida en el montaje que hace la Compañía Lata de Sueños y que es el punto culminante de esta tragedia y en donde se dan muerte ambos contendientes.  BODAS DE SANGRE se estreno en Madrid en l933, su autor Federico García Lorca es el dramaturgo más traducido del siglo XX y agregando este montaje de Laura López, comprobamos que también es uno de los autores teatrales más “adaptados” o amoldados a las circunstancias, se eliminan personajes, se cambia el concepto, la época, el estilo, Lata de Sueños propone otro género musical reduce el discurso y describe las escenas a través de canciones, este clásico de la literatura dramática española queda reducido a esencia pura, la intención es buena, pues genera mayor piedad, amor y compasión, por los personajes de este hecho real que solo Lorca supo plasmar magistralmente.
La idea de reducir texto y extenderse en las escenas de acción, obedece a conceder mayor importancia a la música, a la pantomima, a la acrobacia aérea y a las canciones en las que se luce la propia directora, quien interpreta a la madre, que además cuenta con suficientes líneas para desarrollar su personaje, la idea es interesante, principalmente porque respeta fondo y contenido de esta apasionada historia de amor puramente campesina, de esta tragedia Lorquiana, que la Compañía Teatral Lata de Sueños logra matizar con algunas no escasas excepciones.
BODAS DE SANGRE como compromiso teatral, trae consigo algunas consecuencias de importancia y valor, insistimos tanto o más que en YERMA, otro montaje de este XIX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro, Lorca tiene exigencias difíciles de superar, sus personajes son como nosotros los conocemos y tienen un estilo y forma dramática perfecta para ser interpretados y además cuentan con una gran fuerza lírica y simbólica. Antes de empezar la representación comentábamos que Bodas de Sangre es toda una epopeya teatral y para un grupo de jóvenes, es una proeza, al finalizara la función, muchos no estaban seguros ni convencidos o no fue de su agrado, pese a todo lo que nos habíamos imaginado, lo que vi en el Teatro Julio Castillo, me ha gustó mucho al principio, después se puso denso y había incomodidad entre butacas, igual o más que en YERMA, pero es un trabajo respetuoso y consiguió que más de 600  espectadores entraran en la historia y estuvieran pendientes durante 90 minutos. Algunos actores necesitan mayor preparación y otros deberán pesarlo detenidamente, antes de aceptar un compromiso de esta magnitud, como los que se ha propuesto perseguir Lata de Sueños. Ellos son: Rocio Morales, Mario Rendón, Laura López, Gustavo Contreras, Gabriela Sánchez, Ricardo Franco, Tehutly López y Griselda Garay, Musico: Luis Armando Solares.

Por: Jorge Ramos Zepeda Presidente de la AMCT serendipityj1@hotmail.com

EL ANIMADOR
GRUPO: COMPAÑÍA RENO
DIRECTOR: RAY NOLASCO
AUTOR: RODOLFO SANTANA
Con este montaje Ray Nolasco refrenda sus cualidades y su calidad como actor y director de escena, sumando un éxito más a su carrera, después de su destacada participación en el II Congreso Nacional de Colima con El ocaso del Águila, lo mismo diremos y por méritos propios de Adriana Resendiz, que hace dos años nos dejo la mejor impresión al interpretar el monologo “Haz de venir Luna” de Ray Nolasco dirigida por Víctor Carpinteiro.  Esta excelente mancuerna ahora ha realizado un montaje ágil y divertido, poniendo en juego todas su facultades para la comedia, con un texto de Rodolfo Santana que lleva por titulo EL ANIMADOR, una obra escrita en la década de los 80s por este dramaturgo Venezolano que satiriza, aunque no con mucha profundidad, a la televisión, supongo que se refiere a la de su país, porque en México no suceden estas cosas.

Un destartalado y sucio gallinero se convierte en un improvisado estudio de televisión, parecido al de algunas televisoras “patito”, que son remedo de los grandes consorcios televisivos, pienso en Televisa y TV Azteca, “empresas a las que ni por error se hace referencia en este montaje”. La acción gira en torno al secuestro del “propietario” o “prestanombres” de una importante empresa televisora, por una especie de heroína popular aficionada a la lucha libre, quien obliga al magnate a tragarse literalmente todo ese podrido cúmulo de mentiras, que son transmitidas diariamente y durante 24 horas en la empresa que el representa, vómitos televisivos que toman forma de campañas publicitarias, noticieros, programas cómicos, ¿cómicos?, espantosas y melodramáticas telenovelas y sobreactuados e interminables infomerciales, con sobredosis de seducción subliminal, cuantas veces después de unas horas de hipnosis televisiva, acudimos, como si se tratara de lo más natural a un centro comercial. Esto sucede porque la televisión cuenta con recursos que jamás imaginamos para promover la venta de cigarrillos, sexo y licores y aunque estos temas no son abordados por el autor, deberían ser agregados o al menos mencionados en esta representación, otro tema de importancia sería la guerra, que produce millones de dólares a estas empresas y genera la transmisión de imágenes que obstruyen el pensamiento o manipulan la opinión de los espectadores, porque hay gente que aun no se ha enterado pero “por cada televisor que se enciende, un cerebro deja de funcionar”.

EL ANIMADOR es más que una simple comedia con Guajo-Lotin y violinista incluido, porque ya creada la atmósfera, este gallinero lleno de excremento de ave doméstica, nos hace pensar que ese es el aspecto tienen todos los estudios donde se fabrica esta clase de basura y así deben oler todas las empresas concesionadas que transmiten por antena, cable y satélite en todo el orbe.  En esta ficción que propone Rodolfo Santana,  las cámaras no graban más mentiras, ni historias rosas, un magnate es el protagonista y una televidente enmascarada la antagonista, la historia subyuga, conmueve y convence pero ¿Qué piensa el televidente? Muchos de los que vieron EL ANIMADOR regresaron a sus casas y automáticamente encendieron el televisor y para colmo hasta desearon ser parte del elenco de la “Telenoverla “EL PREMIO MAYOR” y actuar  junto a “La Tesorito” y “Guicho Domínguez”.
Reno se presentó con una buena obra y una complicada escenografía, provocando una demora de 60 minutos, por lo que se fueron a ver televisión a sus casas, más del 50% de los espectadores que llenaron el teatro en la función anterior de Bodas de Sangre, que también provoco un retraso.
Más respeto señores y aunque el Jurado o Comité de Selección nunca rompió filas, recuerden que en otro tipo de Encuentro con base y reglamento, ambos grupos ya estarían descalificados.

EL CABALLO ASESINADO

En la ciudad de México es muy raro asistir a ver una obra de teatro policiaco o de misterio. En otros países este género es muy apreciado. Aquí no. Será que nuestra policía y nuestros detectives no funcionan como los de Inglaterra, pongamos como ejemplo.
Una puesta rara, pues una sola vez, el director y obedeciéndolo, los actores rompen el género y se ponen a bailar y cantar. Como esto sucede al principio pensé que el director iba a llevar la obra en farsa. Pero  no, el resto del tiempo lo hace con gran seriedad, con mucha lentitud y sin la menor pizca de humor.
Cuando termina la obra me quedó la idea de que terminaba el primer acto y venía un segundo. Todo por culpa de lo enredado del texto que acaba por perderse en muchos momento. Todos los personajes son y no son, o son otros. Aparece un joven abrochándose un jaquet varias veces en la obra, yo pensaba que era al fantasma que buscaban, pero no. No supe quién fue. A la mejor lo explicaron pero yo no lo entendí.
La puesta es seria, se ve que la trabajaron y ensayaron. Los actores tienen buena voz y buena dicción. La escenografía tiene los elementos indispensables. La historia es la que no nos acaba de convencer, y hablo en plural pues eso mismo comentaron varias personas con las que platiqué.
El director fue David Jiménez, el autor Francisco Tario y los actores Josué Cabrera, Emmanuelle Perea, Aldo González y Alejandro Terán.
Un defecto del programa general de esta Encuentro es no decir el papel que hace cada actor y nosotros lo tenemos que adivinar pensando, quizás equivocadamente que están colocados por orden de importancia en la puesta. Puede ser.
El grupo se llama Compañía Alveolo Teatro y proviene de la Delegación Tlalpan.
               
Tomás Urtusástegui
Enero 2007

CLOTILDE EN SU CASA

Jorge Ibargüengoitia fue un autor incomprendido en su tiempo. Alumno de Rodolfo Usigli  y compañero de Emilio Carballido y Luisa Josefina Hernández. Tan incomprendido que dejó de escribir teatro para dedicarse a la novela y al periodismo donde triunfó. Una lástima pues su teatro es de los pocos relevantes en cuanto al humor se refiere en México.
“Clotilde en su casa”  es una de sus obras más conocidas y la más puesta de este autor. Lo han hecho grandes directores como Luis de Tavira y muchos otros.
Josafat Aguilar, el director del grupo Coma Producciones, es el encargado de presentarlo durante el Encuentro Nacional de Amantes del Teatro en la temporada 2007.
Su reto fue presentar dentro de un presupuesto bajo algo que se ha mostrado con mucho lujo, con mucho gasto.
Y lo consiguó con una simple tela o plástico en el suelo con un dibujo triangular. Fue todo. Lo demás lo dio su propuesta y el trabajo de sus jóvenes actores.
Pienso que este trabajo puede ser un ejemplo de cómo con poco dinero se puede lograr un buen teatro. Claro que hay que ser creativos como lo es Josafat y eso no se da en macetas.
Los actores se presentan con música y baile. Más que danza es una coreografía sencilla pero efectiva. Así los vamos conociendo. Con el puro baile ya sabemos quién es la esposa, quién el esposo, quiénes son las tías y sobre todo quién es el amigo que quiere conquistar a la mujer.
Donde el autor marca fin de cuadro o fin de acto, Josafat en lugar de hacer oscuro o cerrar el telón, pone a todos a bailar para darnos otros datos del carácter de  cada personaje. Eso me encantó.
Lo que sí siento es que la obra, escrita en la época en que tenían que ser por fuerza tres actos y todos ellos largos, se extiende demasiado. El ritmo, por lo demás lento hace que se ocupe más tiempo del necesario. Para mi gusto se debe modernizar un poco sin perder lo esencial, que es el humor.
Será, lo puedo asegurar, una de las puestas, que los que estamos como seleccionadores, iremos a recomendar para que se presente en diversos lugares del país y fuera de él. 

Tomás Urtusástegui
Enero 2007

EL FANTASMA DE CANTERVILLE

La adaptación de esta obra de Oscar Wilde la hice a petición de Enrique Alonso, Cachirulo, que la grabó para televisión hará unos diez años. Jamás la volví a ver hasta este Encuentro Nacional de Amantes del Teatro.
Ni duda cabe que el humor tiene un resultado mayor y más inmediato en el público, sobre todo en el público joven y niño.  Durante la función no sólo reían sino hasta gritaban y aplaudían.
La historia es más que conocida. Unos norteamericanos compran un Castillo con todo y su fantasma. A éste le hacen sufrir con sus formas de ser. Yo cambié a los americanos por mexicanos. El director se encargó de hacerlo más actual, los protagonistas hasta bailan y cantan “La mesa que más aplauda” y agregan chistes o morcillas como hablar del precio de las tortillas.
La puesta está en formato de farsa donde se permiten mayores libertades que en comedia como es su forma original. Así pueden todos brincar, saltar, gritar. Eso le gusta al público.
Por otro lado todos los actores tienen buena voz, que eso falla en muchos de los grupos, actúan bien dentro de lo que les indica el director y se entregan al trabajo. Ellos mismos disfrutan la obra.
La escenografía queda solamente en dos sillones, muy bellos por cierto y algún otro elemento. No necesitan más. Con esto les basta para dar el ambiente que ellos desean.
El grupo Toptshi y su director Noe Nolasco se han significado por darle importancia al teatro popular, al teatro que se hace en colonias marginales, en escuelas de la periferia, en mercados, cárceles, calles. Su trayectoria es muy amplia. Ojalá y sigan con este mismo espíritu durante muchos años.

Tomás Urtusástegui

EL SIGUIENTE

Me gustaría decirle al autor y actor de la obra “El Siguiente”, que el siguiente trabajo tuvieran más presente a la dramaturgia que es su falla principal. Todo lo demás está muy bien. La escenografía con mayor propuesta de todo el festival de Teatro Nacional de los Amantes hasta el momento, buen trabajo actoral, buena ambientación, bien todo lo demás, pero el texto…
Para empezar se nota la influencia enorme que hasta parece una copia de “Pedro y el Capitán¨de Benedetti. Un preso enfrentándose a su torturador. Ya esto es malo que sea tan obvio. De los demás se debe aprender pero no tratar de imitarlos pues la copia generalmente es mala.
Mazael  Martínez, el autor y actor, se regodea con la sangre y el dolor. Eso es válido en este mundo que vivimos. Solamente que muchas veces esto se nota gratuito.
La historia es de un torturador y probablemente asesino, que trata que unos ciudadanos agarrados en la calle, sin ningún nexo político, confiesen que mataron a un magistrado. El primero no le funciona. Pasa el segundo. Lo golpean, lo sangran, le rompen la cara, lo dejan moribundo. Ya moribundo tiene alucinaciones y se pone a hablar con su papá al que le dice que seguirá siendo bueno, honrado y buen padre de familia. Después habla con la esposa para decirle cuanto la quiere y recomendarle a su hijo que va a nacer para que haga de él un hombre de valor. Todo esto en un plan melodramático muy acentuado. Ya terminando con este rollo, se enfrenta al torturador al que le dice que él debe ser el asesino. El torturador lo mata. Después, sin saber por qué, trata el mismo de matarse. No lo hace. Hace pasar al siguiente.
En lugar de platicarnos una historia el autor se dedica a tratar de mover nuestros sentimientos con el melodrama que nos presenta. Para que todos lloremos con el joven torturado.
Es posible que lo haya logrado con personas que aman la telenovela pero no en los demás que esperamos algo de crítica, de enfrentamiento, de lucha, de verdad. Sobre todo esto, algo de verdad.
El grupo Compañía de Teatro Negro Mexicano tiene un gran reto para el futuro, sustentar el horror con un buen texto.

Tomás Urtusástegui
Enero 2007

BODAS DE SANGRE

Federico García Lorca es uno de los dramaturgos a nivel mundial preferido por mí. Lo escenifiquen como lo escenifiquen, bien o mal, de cualquier modo disfruto su texto, su poesía.
Laura López con la compañía Lata de Sueños nos da su versión sobre Bodas de Sangre, tan puesta, tan conocida. Aquí en México marcó un hito la versión hecha en Tabasco donde participó todo un pueblo y que dirigió la Martínez Medrano.
Una muerte representada por un actor esquelético aparece en el aire a modo del Circo de Soleil mientras un conjunto musical interpreta música, es el inicio de esta puesta en escena. Posteriormente aparece La Luna y los personajes.
La propuesta me gustó, tanto lo circense como lo musical. En especial lo musical. Me gustaron las canciones y el ritmo lento de ellas. Fue muy bello.
El resto tiene sus peros. Hay un gran desnivel actoral, a varios de ellos no se les escucha bien. Por otro lado el ritmo, si es bello en lo musical, no lo es tanto en la puesta que se hace larga y hasta tediosa.
Si me preguntan que es lo que más falta en esta puesta en escena yo contestaría que fuerza. Fuerza en los personajes, fuerza en la actuación, fuerza en las acciones. Ni duda cabe que los actores jóvenes tienen mucha dificultad para representar a personajes adultos y hasta viejos. Aquí esto es muy notorio.
La madre, que es la directora, es la que está mejor. Ella es la que canta y hace todo. Los dos hombres son débiles. El novio se la pasa nalgueando a su madre y a su novia. La que tiene menor dicción es la actriz que representa a la luna.
No obstante todo lo anterior yo quedé complacido al poder recordar a Federico García Lorca.

Tomás Urtusástegui 
Enero 2007

EL ANIMADOR

La diferencia, entre otras cosas, de la puesta de Ray Nolasco y otras de las vistas dentro del 19 Encuentro de los Amantes del Teatro, es que se basa en un texto de un dramaturgo y no en una creación del mismo director que a la vez es actor y todo lo demás. En este caso el autor es Rodolfo Santana, conocido escritor venezolano. Un texto eficaz, crítico y lleno de humor.
La crítica va contra la televisión y el tipo de cultura que ésta hace. Pero también se critica al espectador que cree todo lo que le dicen sin hacer la mínima crítica o hacerse el mínimo cuestionamiento personal. Todo lo que le dicen es verdad. Y así lo engañan en los concursos, en las telenovelas, en los noticieros, en todo.
La idea del autor es muy buena. Un espectador rapta a un animador de televisión para reclamarle esas mentiras. Con amenaza de muerte hace que el hombre repita todos los programas en vivo mientras es filmado con una pequeña cámara casera. Cómo nos gustaría que algo así le hicieran a un Adal Ramones o a muchos otros en especial a los que se burlan del público haciendolos hacer ridiculeces para ganar un premio o para salir en pantalla la menos.
Ray Nolasco es un caso que se cocina aparte. Empezó como actor en un grupo de Neza. Fue creciendo y aprendiendo. No le bastó lo que le enseñaban en ese lugar. Así consiguió estar dos años en la Escuela de Escritores de la Sogem para entender bien los textos teatrales y para escribir los propios. Entró a diversos foros para estudiar actuación y dirección. Ahora, en su juventud, ya es un valor teatral que nos va a dar mucho en el futuro. O ya nos lo está dando como en esta puesta en escena, lo mejor hasta el momento.
Y no solamente él, también su futura esposa, Adriana Resendiz, que cada día está mejor. En esta puesta tiene momentos estelares brillantes. No menos propio fue el actor que hace de violinista, desgraciadamente no tengo su nombre.
Bien la escenografía. Un enorme gallinero con todo y su guajolote vivo. Lo que me sobra, pues no me dio nada, son las pantallas de televisión. Salen sobrando para mi gusto y complican mucho la puesta en escena.
Recomiendo a todo el que lea esta reseña acuda a ver el Animador dirigido y actuado por Ray Nolasco en donde se presente. Se van a divertir muchísimo y sobre todo, los hará pensar esta obra.
¿Tenemos la televisión que merecemos? ¿Hacemos algo para lograr una mejor? ¿Qué tanto nos dejamos influir por lo que nos dicen en ella? Estas y más preguntas salen después de ver este regocijante espectáculo. Felicidades a todo el grupo.

Tomás Urtusástegui
Enero 2007

El fantasma de Canterville
Por: Mariana Jano

¿Puede usted imaginar a un legendario fantasma abochornado por una familia mexicana? Bueno, pues esto es lo que le sucede al fantasma de Canterville  de Oscar Wilde en la adaptación de Tomás Urtusástegui. En este divertido trabajo de la delegación Gustavo A. Madero, bajo la dirección de Noe Nolasco. Todos tienen voz (y buena voz)  para hacer del fantasma lo que les venga en gana. En poco menos de una hora que es lo que dura el montaje, la modernidad y el buen juicio se imponen en escena.

Cleotilde en su casa
Por: Mariana Jano

De Jorge Ibargüengoitia se presentó Cleotilde en su casa, con un aire de limpieza y pulcritud. La interesante propuesta del director Josafat Aguilar lució sencilla pero efectiva. La música y el baile  hicieron aún más cálida  la presentación del grupo de Netzahualcoyotl que ofreció una buena función.

El siguiente
Por Mariana Jano

Se cuenta que cuando alguien le preguntó a Tolstoi si él había visto por sus propios ojos, algo semejante a lo que describe en La guerra y la paz, cuando se entierra vivos a unos prisioneros mal fusilados, la respuesta de Tolstoi dio toda una lección: no negarse jamás a ver, no cerrar los ojos ante el horror ni volverse de espaldas por más pavoroso que nos parezca. Tolstoi vio a esos fusilados. El siguiente, de Mizael Martínez, nos obliga a ver.
Bajo la dirección de Isaac Ortega, este montaje, nos obliga a chocar con una realidad cotidiana, cruda, maldita que sangra hasta la tortura y la violencia, aunque por momentos el delirio de un muerto nos parezca incrédulo, por su coherencia y su duración. El montaje de la Compañía del Teatro  Negro Mexicano con los excelentes actores Isaac Ortega y entre otros Genero Reyes, puede provocar rechazo entre los espectadores a quienes podría dejar estupefactos. El montaje tiene energía, rigor y además nos ofrece una excelente escenografía; un retrato directo e inmediato de la realidad. Sin duda entre las diez mejores obras del encuentro.

Salomé
Por: Mariana Jano

Fue un viaje insólito de Salomé a otras tierras, con otras ropas, otros ritmos y  otros lenguajes y sin embargo  la obra de Oscar Wilde permanece con magia bajo la dirección de Dariela Pérez; a ella y a Salomé pedimos más de la danza de los siete velos, la cual debe cautivar, arrancar aplausos, así también se aprovecharía más la música en vivo… Fue una extraña resolución del pozo, atractiva incorporación de títeres, magnífica actuación de Herodes, interpretado por Gabriel Salazar  y a quien podrían aprovechar más, el drama encierra una poesía única que se sugiere conservar intacta… en fin que valdría la pena redondear algunos detalles para futuras representaciones.

Quetzalcóatl Vizuet (Público)
25 Martubre es una de las fechas que Gógol pone en boca de su personaje único en el Diario de un Loco y ha sido en martes cuando se ha presentado.  La adaptación, con varios tintes humorísticos corrió a cargo de Antonio González Caballero. En el programa de mano no aparece esta obra, no así en la cartelera del sitio de Internet, en donde no se consigna el nombre del actor, quien actúa con naturalidad y le da un sabor mexicano que la hace más accesible al público. Por supuesto no podemos, siempre que volvemos a ver esta obra, dejar de recordar a Carlos Ancira, el excelente actor chileno que la interpretó por años. Este monólogo, a pesar de no estar en el programa, tuvo bastante asistencia.

 La obra Los muertos se facturan y las mujeres se desnudan presentada por el grupo “Escila y Caribdis” de la Delegación Cuauhtémoc, con las actuaciones de Daniel Victoria, Diana O. Montesinos, Yunuen Castillo, Elizabeth Muñoz, Nallely Aguilar, Josafat Aguilar y Jorge Salinas. Se trata de una puesta muy entretenida y excelentemente lograda. Enredos, personajes increíbles y juego de situaciones, así como de los vestidos y desvestidos de las actrices, que no llegaron al desnudo, como lo sugiere el título, me llevan a pensar que esta es una de las mejores propuestas del encuentro.
La actuación resultó fluida, con un ritmo casi cinematográfico. Felicidades y gracias por haberme hecho pasar momentos de gran regocijo.

La obra Los Gallos Salvajes del gran dramaturgo, oriundo de Catemaco, Veracruz, Hugo Arguelles, se presentó este martes 16. El montaje fue presentado por Producciones La Cura, de la Delegación Gustavo A. Madero y bajo la dirección de José Luis Mejía. Obra en la que el Eros y el Thanatos interactúan, dentro del juego preferido por este autor extraordinario, presenta los misterios cosmogónicos que aparentan influir sobre el destino de cada individuo, aunque este destino tenga, en realidad, un origen en los vicios inherentes a las sociedades que, a veces, desembocan en la tragedia.
El  volumen de voz de algunos actores no me permitía escuchar todos los diálogos, pero el juego escénico fue convincente, por lo que si el maestro Arguelles hubiera podido ver esta puesta en escena, estoy seguro que le hubiera gustado.

El grupo Teatro Gelosa presentó Malleus maleficarum de Ezequiel Contreras González, quien dirige también la puesta. Resultó muy emotiva y convincente la actuación de todos los actores de esta compañía proveniente de Tultitlán, Edo. de México, además la obra, desde su perspectiva mágica, aboga por la valoración tanto de los antepasados indígenas, como de los frailes honestos que los defendieron, en contra de la Inquisición. Cada actor está en su papel y algunos de ellos deben duplicar sus caracterizaciones, todo ello bien organizado. Los pocos recursos escenográficos—por fin hubo escenografía, que pocas veces se ha vista en este encuentro—están bien utilizados y dan una atmósfera adecuada, así como la utilización del aparato de humo. En cuanto a la obra en sí, a mí me gustaría otro final, pues el recurso de hacer que, por medio de la fe, surja un milagro y la monja resucite no convence. El nahual representa la ciencia, el triunfo de la Naturaleza por medio de la herbolaria y la medicina tradicional incluso con sus entes no visibles, pero naturales y no diabólicos, sobre las creencias sobrenaturales. Esto queda traicionado por un final convencional que sólo lleva a continuar con la enajenación de la gente por medio de la religión. Con todo, una propuesta interesante.

El grupo Coma Producciones de Ciudad Nezahualcóyotl presentó Clotilde en su Casa de Jorge Ibarguengoitia. La dirección corrió a cargo de Josafat Aguilar. Resulta interesante destacar que, precisamente, esta puesta en escena procede de un lugar en donde existen muchísimos inmigrantes oaxaqueños. Así, la obra termina y además tiene algunos intermedios dancísticos cuya coreografía es ejecutada sobre un cuadrángulo decorado con motivos que semejan un gran papel picado color rosa mexicano y son acompañados por sones istmeños. Las rupturas que dan paso al diálogo, así como los acercamientos y alejamientos de los actores hacia las aristas del rectángulo me hacen pensar en la mentalidad cuadrada de los personajes. Se adaptan, dentro de su cuadratura, al papel que les ha tocado jugar en la vida.
El mensaje de Jorge Ibarguengoitia es muy bien interpretado por el director y los artistas quienes llevan este mensaje repleto de ironía y crítica a la sociedad convencional.

El grupo Topushi Teatro de la Delegación  Gustavo A. Madero irrumpió con gran brío y en el escenario del Teatro Jiménez Rueda para presentar El Fantasma de Canterville de Oscar Wilde en la adaptación hecha por el Maestro Tomás Urtusástegui. Noé Nolasco dirigió la puesta en escena y las actuaciones fueron de Miguel Arteaga, Diana O. Montesinos, Yunuén Castillo, Elizabeth Muñoz, Nallely Aguilar y Jorge Salinas.